Sentimental Value

Um drama familiar emocionante e sofisticado pelo poder da arte

Caso fosse convidado a escolher a Palma de Ouro, a minha brasilidade me obrigaria a votar em O Agente Secreto. Não seria um voto injusto, já que me apaixonei pelo debate humanista e histórico de Kléber Mendonça Filho, só não estaria escolhendo o melhor filme que vi na edição, Sentimental Value, do norueguês Joachim Trier (de Oslo, 31 de Agosto, Thelma e A Pior Pessoa do Mundo). No seu melhor trabalho até agora, Trier cria um mosaico artístico e familiar baseado no amor reprimido, no ressentimento exposto e no desejo de reconciliação para contar o reencontro das irmãs Nora (Renate Reinsve) e Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) com o pai Gustav (Stellan Skarsgård), que na alvorada da vida, durante um festival que celebrou a sua carreira como diretor cinematográfico, decide tocar o seu canto de cisne: uma obra autobiográfica para a qual convida a filha, a atriz teatral Nora.

Entretanto, Nora, a irmã mais velha, acumula mágoas pelo pai ausente e pelo marido relativamente abusivo e distante, e rejeita o seu convite. O projeto parece natimorto, até o acaso aproximar Gustav e a atriz estadunidense Rachel Kemp (Elle Fanning, em sua melhor atuação). A relação entre diretor e atriz, que poderia desaguar no flerte, é de admiração — mútua, a partir de certo momento —, oportunidade e fungibilidade: Rachel é um atalho para a obtenção de financiamento internacional, enquanto ainda é substituta de Nora, permitindo que Gustav exerça a paternidade que não pôde exercer quando havia abandonado a família pela carreira. A beleza está presente nos detalhes, e em como Trier revela a sua maturidade em evitar o conflito óbvio, ainda que eficaz à primeira vista, para encontrar um meio de expiar o trauma e a mágoa.

Sentimental Value tem uma base sólida, da mesma forma que a residência familiar, cuja rachadura na fundação é como uma cicatriz, eternamente lá como dupla memória: das feridas abertas e, mais ainda, de como estas feridas são incapazes de derrubá-la a solo. Não acidentalmente formada por quatro personagens, uma delas substituta de outra, a base é a oportunidade de ressignificação: se a rachadura na parede é ressignificada por um raio solar, mantendo a mesma forma, mas outro brilho, esta oportunidade também é concedida generosamente às personagens. Acredito que o filme rejeite o imobilismo, da ação e emoção, e proporcione alternativas de cura aos personagens, em um bonito e poético momento da carreira de Trier, que iniciou sua filmografia com uma visão bem pessimista do indivíduo e da sociedade. Nora amadureceu ansiosa e neurótica: na vida pessoal envolve-se com um homem casado (Anders Danielsen Lie) e ressente a família da irmã por não ter formado a sua; na vida profissional, embora atriz experiente, sofre com o medo do palco (tudo melhora porque a peça é acompanhada com a trilha sonora de abertura do horror O Iluminado).

Entretanto, os obstáculos individuais e coletivos são as oportunidades de transposição e libertação das amarras que impeliam os personagens a reencenar os dramas de vida - a história de Medeia é mencionada, como apelo de divorciar-se da tradição da tragédia clássica. Pois, para que reciclar o teatro grego se a vida do indivíduo tem elementos de tragédia? Gustav rejeita o aspecto autobiográfico de seu roteiro, apesar de Agnes, que, como historiadora, trabalhou com o pai realizando pesquisas, descobriu uma aparente relação com a história da avó, judia sobrevivente do Holocausto e que tirou a sua vida. A tragédia não é clássica, é contemporânea. A elaboração a partir dela, o início de um processo de cura e da rejeição da estagnação emocional; se mesmo a residência imóvel muda com o tempo, por que não nós?

Em determinado momento, uma personagem menciona que rezar não é falar com Deus, é aceitar o desespero. E, dentro da leitura da tragédia como informadora do processo de cura emocional e do processo artístico dos personagens, sinto bem em interpretar que falar com Deus seja falar com sua arte, sua verdade. O processo criativo está entrelaçado com o drama familiar, e monta um todo tão atraente que é impossível resistir à análise mutuamente racional e emocional. Partes que frequentemente são separadas, aqui são unidas, dentro de uma herança escandinava de cinema que tende a rejeitar a emoção e o sentimento rasgado — na direção de fotografia, encenação, interpretação etc. — mas que aqui alcançam o efeito oposto: uma emoção até mais poderosa do que melodramas repousa em um olhar racional, mesmo que rebelde: no encontro com Gustav na praia, Rachel rejeita o comportamento previsível de uma atriz hollywoodiana, para retornar de charrete ao hotel.

Preciso retornar à Rachel. Fanning transforma-se para ser a protagonista de Gustav, e Trier. Quando a atriz menciona ter pintado o cabelo, ou a adaptação que o roteiro tem que fazer para acomodar o fato de não falar norueguês, sinto o eco na obra de Trier. E, se a insegurança de Rachel pode comprometer o seu papel, Fanning é tremendamente segura da força de sua voz doce e do olhar melancólico ao olhar para trás, do jeito que Gustav vislumbrou uma cena capital do roteiro. O roteiro construiu uma das relações profissionais mais éticas que testemunhei na ficção: da atriz hesitante que admite sua limitação, mesmo ciente de que está diante de um papel determinante para seu futuro, e do diretor, que negocia a ambição artística com o que pode estar abdicando com esta escalação. Skarsgård está maravilhoso, e não consigo vislumbrar um cenário em que o ator veterano não seja reconhecido por este trabalho.

Trier também deveria sê-lo: além de criar momentos visualmente arrebatadores, como aquele em que Gustav está, fora de foco, mas no centro da imagem, sentado à frente de Nora e Agnes, nos extremos do sofá e em foco, convida discussões sobre o preconceito etário na indústria da arte. Pode parecer descolado do todo, mas mantém a unidade da narrativa: por mais bem sucedidos que os personagens sejam profissionalmente, e por mais que tenham tido a vida que haviam sonhado em ter, não há quem não demonstre insegurança. Agora é o momento de discutir Agnes. A caçula é também a ‘não artista’ - como se a arte fosse um atributo que não existisse dentro de cada um -, apesar de ser a que está melhor capacitada para remediar e remendar os traumas familiares. Eu tenho para mim que jamais vou esquecer a sensibilidade ao explicar sua diferença com Nora: eu tive você. São três míseras palavras, que representam uma torrente de amor e união.

Sentimental Value tem início com a lembrança da dissertação sobre o lar herdado, onde uma família foi constituída e que agora pode ser palco de litígios proprietários, depois da morte de uma integrante. A casa é transformada através do tempo, por reformas ou por opções estéticas que a tornam mais ou menos iluminada. A casa é até reproduzida, e recriada através da direção de arte. Mas a casa não é o concreto, não é a madeira, não são os móveis ou eletrodomésticos, são os personagens que a habitam. Joachim Trier trouxe não personagens ou conflitos dramáticos, mas pessoas, alegrias e dores reais no formato da ficção. Quando se despede do mundo que criou com um recurso, a que não pode resistir, deixou em mim saudades misturada com felicidade por partilhar daquela realidade. Uma realidade viva pela arte.

Sentimental Value recebeu o Grande Prêmio do Júri do Festival de Cannes de 2025.

English review

If I were asked to choose the Palme d'Or, my Brazilianness would force me to vote for The Secret Agent. It wouldn't be an unfair vote, since I fell in love with Kléber Mendonça Filho's humanist and historical debate, but I wouldn't be choosing the best film I saw in the edition, Sentimental Value, by Norwegian Joachim Trier (Oslo, 31st of August, Thelma and The Worst Person in the World). In his best work to date, Trier creates an artistic and familial mosaic based on repressed love, exposed resentment and the desire for reconciliation to tell the story of the reunion of sisters Nora (Renate Reinsve) and Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas) with their father Gustav (Stellan Skarsgård), who at the dawn of his life, during a festival celebrating his career as a film director, decides to play his swan song: an autobiographical work to which he invites his daughter, the theater actress Nora.

However, Nora, the older sister, harbors resentment towards her absent father and her relatively abusive and distant husband, and rejects his invitation. The project seems stillborn, until chance brings together Gustav and American actress Rachel Kemp (Elle Fanning, in her best performance to date). The relationship between director and actress, which could end in flirtation, is one of admiration — mutual, after a certain point —, opportunity and fungibility: Rachel is a shortcut to obtaining international financing, while also being a substitute for Nora, allowing Gustav to exercise the paternity he was unable to exercise when he abandoned his family for his career. The beauty is present in the details, and in how Trier reveals his maturity in avoiding the obvious conflict, although effective at first glance, to find a way to expiate the trauma and the pain.

Sentimental Value has a solid foundation, just like the family home, whose crack in the walls is like a scar, eternally there as a double memory: of the open wounds and, even more, of how these wounds are incapable of bringing it down to the ground. Not accidentally formed by four characters, one of them a substitute for the other, the basis is the opportunity for resignification: if the crack in the wall is resignified by a ray of sunlight, maintaining the same shape but with a different shine, this opportunity is also generously granted to the characters. I believe that the film rejects the immobility of action and emotion, and provides healing alternatives for the characters, in a beautiful and poetic moment in Trier's career, who began his filmography with a very pessimistic view of the individual and society. Nora has matured anxious and neurotic: in her personal life she gets involved with a married man (Anders Danielsen Lie) and resents her sister's family for not having formed her own; In her professional life, although an experienced actress, she suffers from stage fright (everything improves because the play is accompanied by the opening soundtrack of the horror film The Shining).

However, individual and collective obstacles are opportunities to overcome and free herself from the constraints that forced the characters to reenact life dramas - the story of Medea is mentioned as a plea to divorce oneself from the tradition of classical tragedy. After all, why recycle Greek theater if the individual's life has elements of tragedy? Gustav rejects the autobiographical aspect of his script, although Agnes, who, as a historian, worked with her father conducting research, discovered an apparent connection with the story of her grandmother, a Jewish Holocaust survivor who took her own life. The tragedy is not classical, it is contemporary. The elaboration based on it, the beginning of a process of healing and rejection of emotional stagnation; if even the immobile residence changes over time, why not us?

At a certain point, a character mentions that praying is not talking to God, it is accepting despair. And, within the reading of tragedy as an informant of the emotional healing process and the artistic process of the characters, I feel comfortable interpreting that speaking to God is speaking to their art, their truth. The creative process is intertwined with the family drama, and creates a whole so compelling that it is impossible to resist a mutually rational and emotional analysis. Parts that are often separate are here united, within a Scandinavian cinema heritage that tends to reject emotion and torn feelings — in photography, staging, acting, etc. — but which here achieve the opposite effect: an emotion even more powerful than melodramas rests on a rational, even rebellious, gaze: in the encounter with Gustav on the beach, Rachel rejects the predictable behavior of a Hollywood actress, to return to the hotel by horse-drawn carriage.

I need to return to Rachel. Fanning transforms herself to be the protagonist of Gustav, and Trier. When the actress mentions having dyed her hair, or the adaptation that the script has to make to accommodate the fact that she does not speak Norwegian, I feel the echo in Trier's work. And if Rachel's insecurity could compromise her role, Fanning is tremendously confident in the strength of her sweet and from the melancholic gaze when looking back, the way Gustav envisioned a key scene in the script. The script built one of the most ethical professional relationships I have ever witnessed in fiction: from the hesitant actress who admits her limitations, even though she is aware that she is facing a role that will determine her future, and from the director, who negotiates artistic ambition with what he may be giving up with this casting. Skarsgård is wonderful, and I cannot imagine a scenario in which the veteran actor would not be recognized for this work.

Trier should be too: in addition to creating visually stunning moments, such as the one in which Gustav is out of focus but in the center of the image, sitting in front of Nora and Agnes, on the ends of the couch and in focus, it invites discussions about ageism in the art industry. It may seem disconnected from the whole, but it maintains the unity of the narrative: no matter how successful the characters are professionally, and no matter how much they have had the life they dreamed of having, there is no one who does not show insecurity. Now is the time to discuss Agnes. The youngest is also the ‘non-artist’ - as if art were an attribute that did not exist within each person -, despite being the one who is best able to remedy and mend family traumas. I believe that I will never forget the sensitivity in explaining her difference with Nora: I had you. These are three miserable words, which represent a torrent of love and unity.

Sentimental Value begins with the memory of the dissertation on the inherited home, where a family was formed and which can now be the scene of property disputes, after the death of a member. The house is transformed over time, by renovations or by aesthetic choices that make it more or less illuminated. The house is even reproduced, and recreated through art direction. But the house is not the concrete, it is not the wood, it is not the furniture or appliances, it is the characters that inhabit it. Joachim Trier did not bring dramatic characters or conflicts, but real people, joys and pains in the format of fiction. When he says goodbye to the world he created with a resource that he could not resist, he left me with longing mixed with happiness for sharing that reality. A reality that lives on through art.